Realismus in der Architekturvisualisierung
Der Realismus als Outsider in der Kunstgeschichte
Bei der Architektur Visualisierung wird Realismus allgemein als Voraussetzung für ein gutes Marketing-Image angesehen. (Ich verwende den Begriff “Realismus” im herkömmlichen Sinne der optischen Genauigkeit – im Gegensatz zu der Bewegung des 19. Jahrhunderts in Kunst und Literatur, die “Realismus” genannt wurde und sehr spezifische Ziele verfolgte, auf die ich etwas präzise in weiteren eingehe. Außerdem geht es in diesem Artikel nur um die künstlerische/kreative Seite des Realismus, nicht um die technische). In diesem Computer generierten Bild von und ist der fotografische Realismus in hohem Maße gelungen. Aber was dieses Bild realistisch macht, und was es in seinem Realismus so überzeugend macht, ist keineswegs einfach.
Erstens nimmt der Realismus, wie wir ihn üblicherweise verstehen, in der allgemeinen Kunstgeschichte einen erstaunlich kleinen Platz ein und kann als etwas Fremdes betrachtet werden, wenn es darum geht, die wesentlichen Merkmale der Kunst aufzuzählen. Die meisten Kunstwerke, die von Gesellschaften auf der ganzen Welt im Laufe von mehr als 40 000 Jahren geschaffen wurden, sind kaum oder gar nicht realistisch (in dem Sinne, wie wir den Begriff Architekturwiedergabe verwenden). Es gibt nur wenige Ausnahmen, wie die Kunst der klassischen Antike (ca. 500 v. Chr. – 330 n. Chr.) und die europäische Kunst des 14. bis 19. Jahrhunderts. Dieser extrinsische Status wirft bestimmte Probleme und Herausforderungen auf, denen sich der realitätsbezogene Künstler oder Bildgestalter stellen muss. Um diese Probleme zu verstehen, ist ein kurzer Überblick über die historische Position des Realismus notwendig.
Es gibt keine erhaltenen Beispiele für griechische Malerei aus der klassischen Antike, aber nach den zeitgenössischen Quellen zu urteilen, muss sie dem Realismus ihrer Skulpturen aus der klassischen und hellenistischen Zeit (siehe unten) ebenbürtig gewesen sein oder ihn sogar übertroffen haben. Plinius der Ältere (Gaius Plinius Secundus) berichtet beispielsweise von einem Malwettbewerb, bei dem ein Gemälde des berühmten griechisch-hellenistischen Malers Zeusis mit Trauben so realistisch war, dass Vögel herunterflogen, um sie zu picken.
Skulptur von Athenodoros von Rhodos, Hagesandros und Polydoros
In der Renaissance (14.-16. Jahrhundert) kam es zu einer Wiederbelebung des Realismus, der weitgehend durch die Skulpturen der klassischen Antike inspiriert wurde, wie zum Beispiel die Laokoon-Gruppe, die 1506 in Rom freigelegt wurde (siehe oben). Dieser Wunsch nach Realismus erreichte seinen Höhepunkt im 17. Das untenstehende Gemälde von Willem Kalfe erreicht durch das sorgfältig beobachtete Spiel von Licht und Schatten einen bemerkenswerten Realismus – genau das, was der antike griechische Künstler Zeusis nach zeitgenössischen Berichten tat, um die Vögel zu täuschen.
Stilleben mit chinesischer Porzellandose, Jahr: um 1660, Willem Kalf
Ironischerweise sind die ältesten uns bekannten Malereien – die paläolithischen Höhlenmalereien in Spanien und Frankreich – oft erstaunlich realistisch. Als die erste dieser Höhlen, Altamira, 1879 von der achtjährigen Tochter des Amateurarchäologen Marcelino Sanz de Sautuola entdeckt wurde, weigerten sich führende Experten strikt zu glauben, dass es sich bei den Malereien um echte paläolithische Kunst handelt. Sautuola wurde der Fälschung beschuldigt, und erst nach seinem Tod zwang die spätere Entdeckung ähnlicher Höhlen die Experten, die Richtigkeit seiner Schlussfolgerungen zu akzeptieren.
Abstraktion als Realismus in der Kunst
Seit der Entstehung dieser Gemälde (vor etwa 40.000 bis 20.000 Jahren) ist die Kunst vom Paläolithikum bis heute in vielerlei Hinsicht abstrakter geworden, mit nur wenigen Ausnahmen. Der Hauptgrund dafür ist vielleicht, dass der Schwerpunkt der meisten traditionellen Kunstwerke in diesem langen Zeitraum mehr auf der Darstellung der sakralen als der weltlichen Realität lag. Die unten abgebildete zeremonielle Rassel der Tlingit von der Nordwestküste Amerikas ist ein gutes Beispiel dafür. Der Künstler war hier eindeutig nicht an einer realistischen Darstellung von Lebewesen aus unserer Welt interessiert, auch wenn er einen erkennbaren Raben mit einer menschlichen Figur und einem Eisvogel auf dem Rücken abbildet. In der Tat ist es in dieser Kunst oft wichtig, dass die dargestellten Kreaturen nicht zu realistisch sind, damit sie die Qualität der Fremdheit haben, die sie als übernatürliche Wesen auszeichnet. Denn dies ist kein gewöhnlicher Rabe – der Tlingit-Mythos schreibt diesem Geschöpf die Erschaffung (oder Verwandlung) der Welt in ihrer heutigen Form zu. Der Rabe stahl die Sonne, den Mond und die Sterne und entließ sie in den Himmel, um eine Welt zu erhellen, die zuvor von ewiger Dunkelheit bedeckt war – das, was die Mythologie “die lange Nacht” nennt.
An dieser Stelle muss betont werden, dass die Gesellschaften, die diese Werke geschaffen haben, sie nicht als abstrakt oder fantasievoll ansehen würden, da sie für sie die letzte Realität darstellen. In diesem Sinne ist ihre Arbeit realistischer als Kunst, die einfach nur Bilder unserer alltäglichen Welt kopiert. Wir können sogar noch weiter gehen, denn nach einigen religiösen und philosophischen Ansichten ist die materielle Welt, in der wir leben, lediglich eine Illusion.
Modernismus und die Rückkehr zur Abstraktion
Dies ist für die heutige Kultur von Bedeutung. Ich habe bereits die schwere intellektuelle und geistige Krise erwähnt, die im Europa des 18. Der Fortschritt der Wissenschaft stellte lang bestehende religiöse Überzeugungen in Frage. Als Reaktion darauf entwickelten Philosophen, Dichter und Künstler im 19. Jahrhundert die Idee, dass die künstlerische Vision über die Reichweite der fünf Sinne – und damit auch über die empirisch-wissenschaftliche Beobachtung – hinausgehen könnte, um das Reich der letzten Realitäten oder spirituellen Wahrheiten zu enthüllen. Das folgende Beispiel von Caspar David Friedrich symbolisiert diese Tendenz. Der Künstler versucht, ein Gefühl für eine tiefere Realität zu vermitteln, die sich in einer Art mystischer Gemeinschaft mit der Natur ausdrückt.
Caspar David Friedrich: Die Lebensstufen, um 1835
Der westliche Mythos vom “edlen Wilden” oder “bon sauvage” (der gute Wilde) entwickelte sich über mehrere Jahrhunderte hinweg und wurde vor allem durch den Kontakt der Europäer mit den indigenen Völkern Amerikas und anderswo seit der Zeit von Kolumbus inspiriert. Nun, im 19. Jahrhundert, begann der Begriff in der westlichen Kunst eine grundlegende Rolle zu spielen. Man glaubte, dass so genannte Urmenschen und Kinder einen direkten Zugang zum kollektiven Unbewussten haben, der es ihnen erlaubt, die tieferen Realitäten der menschlichen Existenz zu sehen und zu enthüllen. Im 20. Jahrhundert führte dies auf verschiedene Weise zu der primitiven Abstraktion, die den Großteil der Kunst der Moderne kennzeichnete. Dieses Gemälde von Pablo Picasso veranschaulicht diese Tendenz, obwohl Picassos persönlicher Zugang zum Primitivismus aufgrund der französischen rationalistischen Tradition, der er in Paris ausgesetzt war, komplexer war.
Weinende Frau, Pablo Picasso, 1937
Picassos Werk spielte eine wichtige Rolle für die Entwicklung des amerikanischen abstrakten Expressionisten Jackson Pollock. Pollock glaubte, dass seine völlig abstrakten Gemälde, die aus auf die Leinwand geworfenen Farbtropfen bestehen, das Ergebnis eines mystischen Prozesses seien, der die verborgenen Wahrheiten des kollektiven Unbewussten (gemäß der Theorie von Carl Gustav Jung) offenbart – so wie auch die “primitive” Kunst dieselben mystischen Wahrheiten offenbart. Was dem Uneingeweihten als ein unverständliches Durcheinander von Tropfen und Tupfen erscheinen mag, ist nach dem Glauben des Künstlers und der modernistischen Tradition, der er angehörte, die Darstellung einer tieferen Wirklichkeit. Einige Leute mögen argumentieren, dass dies wahrer Realismus ist, während die optische Wahrheit, die wir in Computergrafiken oder Architektur Visualisierungen sehen, nur oberflächliche Phänomene oder eine bloße Illusion der Realität ist, die selbst eine bloße Illusion ist (nach Ansicht einiger berühmter Philosophen und religiöser Systeme).
Die Problematik des Realismus
Einen echten Realismus im künstlerischen Bild zu erreichen, ist daher eine unerwartet schwierige Sache. Diese Frage wird noch rätselhafter, wenn man die Ziele der als Realismus bekannten künstlerischen Bewegung des 19. Jahrhunderts betrachtet. Als Reaktion auf die spirituellen Bestrebungen der Romantik und in Anlehnung an das wachsende wissenschaftliche Paradigma der Moderne strebten die Realisten in ihrer Kunst eine wahrhaft sachliche, wissenschaftliche Vision an. Sie wollten die Malerei von allen bildlichen Konventionen befreien, die ein Subjekt, eine Weltanschauung oder ein Wertesystem, sei es religiöser oder anderer Art, vorgeben und damit die visuelle Wahrheit, wie sie sie glauben, verzerren. Das unten abgebildete Gemälde von Gustave Courbet veranschaulicht dieses Bestreben und ist eines der berühmtesten und ikonischsten Beispiele des Realismus. Anstelle von mythischen Helden, göttlichen Gestalten oder Staatsoberhäuptern, die sich für eine edle Sache einsetzen, gibt er uns zwei einfache Steinhauer, die zu jener Zeit als niedrigste Form der körperlichen Arbeit galten.
Die Steinklopfer, Gustave Courbet, 1849
Architekturvisualisierung als Gegensatz zu Realismus
Aber was hat das mit architektonischen Renderings zu tun? Ziemlich viel. Erstens zeigt uns der Realismus ( Kunstbewegung), wie weit die meisten architektonischen Visualisierungen von einem echten Realismus entfernt sind. Tatsächlich steht der wissenschaftliche Realismus konzeptionell und stilistisch den Zielen der überwiegenden Mehrheit der Architekturvisualisierungen diametral entgegen.
Architekturvisualisierung ist auch ein “Verkauf von Wünschen”. Sie wird bewusst mit materiellen Wertesystemen, Bestrebungen, Überzeugungen und Wünschen aufgeladen. Beim Realismus geht es dagegen um das, was wirklich ist. Die Architekturvisualisierung hingegen tendiert dazu, eine stark idealisierte Vision der projizierten Realität zu präsentieren. In der Tat neigt die Architekturvisualisierung dazu, das Bild mit genau den Dingen zu füllen, die durch das Streben nach Realismus beseitigt werden sollten.
Das folgende Bild aus unserem Portfolio gibt bewusst eine Weltanschauung, ein Wertesystem, als Teil einer sorgfältig durchdachten Marketingstrategie vor. Dieses Bild ist in dieser Hinsicht viel näher an den traditionellen Vorstellungen, die eine Vision einer idealen Welt oder Realität darstellen. Der Hauptunterschied besteht darin, dass die ideale Realität, die hier dargestellt wird, sich auf das materielle Leben bezieht und nicht auf ein spirituelles Leben nach dem Tod. In diesem Sinne ist das oben gezeigte barocke Stillleben von Willem Kalfa in seiner Zielsetzung der Darstellung in unserem Werk sehr ähnlich. Das Gemälde ist zwar atemberaubend realistisch, stellt aber das Wertesystem des Kunden dar – es ist ein Beispiel für seinen Reichtum und seinen üppigen Lebensstil.
Toprender, Auszug auf unserem Portfolio
Darüber hinaus sind alle grafischen Elemente hierarchisch angeordnet – es gibt dominante, mittlere und untergeordnete Bereiche (in Bezug auf Stärke oder Kontrast von Ton, Farbton, Sättigung, Form, Textur, Detail), die kunstvoll komponiert sind, um die Traumwelt des perfekten Gleichgewichts zu schaffen. Die gleichen ästhetischen Prinzipien, die Vermeer (siehe unten) für sein Meisterwerk des klassischen Gleichgewichts benutzte, in dem jedes Detail, jedes Element des Bildes sorgfältig für den jeweiligen Zweck entworfen wurde, gelten auch hier. Und die Renderings in unserem Portfolio beherrschen diese Prinzipien, um ein Bild zu schaffen, das unabhängig von Marketingüberlegungen eine gesonderte Betrachtung als außergewöhnliches Kunstwerk verdient. Das hat aber wenig mit der alltäglichen Realität zu tun. Ein ästhetisches Ordnungssystem, die menschliche Abstraktion, wurde einer vermeintlich realistischen Szene übergestülpt.
Junge Frau mit Wasserkanne am Fenster, Jan Vermeer, 1664–1665
Der von Courbet vertretene Realismus versucht bewusst, diese Art von visueller Hierarchie zu vermeiden – statt die Figuren im Gemälde nach ihrer wahrgenommenen Wichtigkeit in Bezug auf ein System auferlegter Werte anzuordnen, werden sie sehr demonstrativ auf eine gleichberechtigte Basis gestellt. Keiner von ihnen dominiert den anderen in Bezug auf seine Rolle in der Komposition.
Unter Vermarktungsaspekten ist es sehr wichtig, dass architektonische Renderings nicht realistisch sind, was die kunsthistorische Definition von Realismus angeht. Aber dieser notwendige Mangel an Realismus geht weit darüber hinaus. Der Realismus (Courbet und Co.) vermeidet jeden Versuch, die Gefühle, Überzeugungen und Werte des Betrachters anzusprechen. Sie zielt auf einen Zustand leidenschaftlichen wissenschaftlichen Desinteresses ab, in dem eine leidenschaftslose Betrachtung des Themas stattfinden kann. Das funktioniert natürlich nicht bei Bildern für das Immobilienmarketing. CG-Künstler versuchen im Allgemeinen ihr Bestes, um die Emotionen des Betrachters anzusprechen, von sehr subtil, wie im obigen Beispiel, bis hin zu ziemlich offensiv. Erfolgreiches Marketing hängt hiervon schließlich ab.